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O desenho é o coração

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Desenho é o coração
O desenho é a base da auto-expressão. Aprender a desenhar é a maneira mais lenta, mas mais segura, de obter domínio em sua pintura.

Por Juliette Aristides

O desenho é o coração e a alma da arte. Nas décadas de 1960, 1970 e 1980, na esteira do expressionismo abstrato, do neo-expressionismo e da moda da arte de montagem e instalação, o desenho quase desapareceu do currículo da maioria das escolas de arte. O desenho parecia desnecessário, quase antiquado. Mesmo antes disso, em 1924, aprender a desenhar era considerado secundário em aprender a pintar, como fica evidente nesta observação de Harold Speed: “O desenho, embora seja o primeiro (em importância), também é a última coisa que um pintor geralmente estudos. Há mais (desenho) que pode ser ensinado e que retribui a aplicação constante de esforço ”(de A Prática e Ciência do Desenho, reimpresso por Dover em 1980).

A cor é imediatamente fascinante, sim, mas a forma encanta a mente e também os olhos. Por que o desenho, não importa qual seja o assunto, é tão importante? Pense em um retrato em que os olhos estão desalinhados ou em uma paisagem em que a perspectiva é distorcida. Qualquer impacto emocional que a pintura de outra forma teria tido é eliminado por uma falha técnica. Speed ​​acreditava que o desenho podia ser aprendido, e eu, como professor de artistas, atesto essa verdade. Qualquer um pode aprender a desenhar, mas, como tocar piano, isso não acontece da noite para o dia e sem prática. Alguns artistas começam com uma instalação, porque desenham desde que eram crianças. No meu ateliê, vejo esse tipo de aluno e o outro, aqueles que não têm habilidades, mas estão determinados a tentar. O segundo grupo obtém enormes ganhos, enquanto os do primeiro grupo raramente assumem os riscos necessários para ter sucesso. Aqueles que têm a disciplina de perseverar se tornam desenhistas treinados, capazes de dominar as técnicas de qualquer médium.

A tradição acadêmica

Atualmente, ensino minha própria aula de ateliê na Academia de Belas Artes de Seattle. O currículo que criei é rigoroso, de acordo com a tradição acadêmica que teve início nas oficinas de artistas renascentistas e floresceu durante os séculos XVIII e XIX, principalmente na École des Beaux Arts e na Académie Julian. Os séculos anteriores compreenderam que o artista precisava ser treinado minuciosamente como desenhista antes de passar à pintura; muitas vezes uma década estudando desenho não era considerada excessiva. Também foi aceito que as habilidades de um artista precisavam ser fortemente aperfeiçoadas antes que ele tentasse abordar o grande assunto da forma humana. Somente depois que o artista demonstrou habilidade em pintar moldes de figuras e arranjos de natureza morta, ele ou ela começaram a expressar a vitalidade e nobreza da figura. Pintar a forma humana exige que o artista não apenas obtenha uma semelhança, mas também sugira - com profundidade, sensibilidade e integridade - o que está além da aparência: a alma.

Habilidade melhora a auto-expressão

Os artistas iniciantes de hoje foram informados de que a própria habilidade inibe a auto-expressão. Pelo contrário, acredito que aprender o ofício do artista permite que você expresse sua própria visão. As habilidades tradicionais são a base da qual você, o artista, trabalha. É a habilidade, não a falta, que é a base da auto-expressão. Por outro lado, ser criativo sem o conhecimento do ofício é como tentar decorar um edifício estruturalmente doentio. Isso não faz sentido.

Considero que meus ensinamentos transmitem uma herança artística que de outra forma estaria perdida. Quando ensino, tento transmitir as informações que um artista precisa de uma maneira que seja compreensível. As tarefas complexas de desenho e pintura tornam-se mais fáceis de gerenciar quando são divididas em partes.

Desenho é um processo de simplificação

Não há nada mais importante do que desenhar. O processo de simplificação, o ato de projetar, cai no domínio do desenho. Tudo, todos os aspectos da arte - isto é, proporção, valor e forma -, mas a cor cai no domínio do desenho. Se a artista for treinada primeiro como desenhista, ela estará livre para se concentrar na cor, em vez de se preocupar em obter ou não as proporções corretas.

Um dos paradoxos de aprender a desenhar é que a fase inicial exige que você sacrifique os detalhes em favor do design e dos gestos, enquanto a fase final exige que cada área do corpo seja renderizada ou o trabalho parecerá genérico e plano. Aprender a desenhar leva tempo; requer que você tire da vida todos os dias. No meu ateliê, os alunos começam focando no desenho; os alunos mais avançados passam para a pintura monocromática e depois totalmente cromática. Os alunos desenham moldes de gesso, o modelo nu e configurações de natureza morta; eles também copiam obras-primas. Os projetos se tornam cada vez mais complexos à medida que suas habilidades, juntamente com a confiança nessas habilidades, crescem.

Como passar do desenho para a pintura

Existem tantas maneiras de começar uma pintura quanto os temperamentos. Acho útil dividir o processo de pintura em seus componentes variados: composição, desenho, valor e cor - geralmente trabalhados nessa ordem. A fundação é um design forte; um design forte terá impacto do outro lado da sala. O próximo componente mais importante é o desenho. Meu objetivo é que o desenho seja preciso e bem concebido. Em seguida, trabalho na unificação dos valores para que as áreas escuras forneçam um contexto para as luzes. Por fim, concentro-me na cor - tanto na cor local quanto na maneira como a luz afeta essa cor local.

Trabalhando em etapas: o artesanato de um artista

Normalmente passo vários dias trabalhando na composição. Então eu desenho diretamente na tela. Refino o desenho com tinta da Índia permanente diluída (para que a próxima camada de tinta não lave a linha), aplicada com um pincel fino. Então eu faço uma sub-pintura monocromática que estabelece os valores. Para isso, costumo usar umber cru misturado com aguarrás; essa mistura pode cobrir completamente a superfície da tela, mas as linhas de tinta ainda estarão visíveis embaixo dela. Apago as luzes com um pano de algodão.

Eu sempre trabalho de geral a específica. Começo com os relacionamentos mais amplos em linha, valor e cor antes de focar nos relacionamentos menores dentro de cada objeto ou dentro de cada parte. Usando um pincel grande, bloqueio as relações gerais de cores. A maioria das arestas está perdida; Estou preocupado em vincular objetos.

Neste ponto, olho novamente para o desenho. Lê bem à distância? Existe uma parte subordinada da pintura que está recebendo muita atenção? Uma aresta precisa retroceder ou avançar? Frequentemente, faço uma lista e consulto a lista conforme faço alterações.

Focando finalmente na cor

Agora vou me concentrar em uma parte da pintura de cada vez e levar cada área ao estado final. Eu tento manter as formas das sombras unificadas e simples; Faço isso não permitindo muita variação de valor dentro das sombras. Então concentro meus esforços nos meios-tons entre o núcleo da sombra e as luzes. Se sinto uma cor, coloco-a - não é apenas uma questão de ver a cor, mas de capturar um vislumbre dela pelo canto do olho. Eu acredito que parecerá correto no contexto. Em vez de usar qualquer cor para uma área inteira, procuro relações de cores. A cor da natureza é tremendamente variada, altamente complexa e surpreendentemente bonita. Desde que o desenho e a faixa de valores sejam fortes, a cor pode ser uma questão de opinião. O espectador reterá julgamento sobre o que parece plausível em favor do que o artista cria.

Luz na escuridão

Eu sabia desde o início que queria ser artista. Eu cresci em Reading, Pensilvânia, uma cidade relativamente pequena. Meus pais emigraram da Cidade do Cabo, África do Sul, onde nasci. Meu pai era médico e minha mãe, quando eu era jovem, ficava em casa. Tínhamos muitos livros, principalmente uma coleção de 50 ou 60 monografias sobre mestres pintores. Minha família viajou bastante também, então vi muita arte e copiei muitas obras. Eu era um grande fã de Rembrandt.

Quando eu era adolescente, disparava o alarme para as duas da manhã, para ficar sozinho e andar na escuridão. Eu li muita filosofia e achei que era importante ter comunhão com a natureza, especialmente no momento em que todo o mundo parecia adormecido. É incrível o quanto eu pude ver; Eu fiz muitos esboços então. Quando você tem essa idade, a vida é tão nova e você está tão vivo. É como se você estivesse vendo coisas pela primeira vez, como se tudo estivesse pegando fogo.

Eu acho que os artistas fazem uso contínuo dessa intensidade juvenil. À medida que amadureci como artista, meu trabalho parece ser cada vez mais sobre revelação. Eu vejo a pintura como um ato de iluminação, de trabalhar através da escuridão para a luz. A luz é um grande revelador de coisas. Tive um professor, Myron Barnstone, que me disse uma vez: “O túmulo é para a escuridão. Teias de aranha são para o túmulo. Quando você estiver vivo, deveria estar comemorando a luz. " Essa declaração ressoou comigo. Acho fascinante que existam momentos na vida em que você percebe que algo importante está acontecendo; que uma experiência nunca será reproduzida; que desaparecerá e será esquecido, para nunca mais ser recuperado - a menos que você o pinte. Ter a capacidade e ter alcançado a habilidade de pintar esse tipo de momento, de registrar esse tipo de revelação, é incrivelmente maravilhoso.

Aspectos da Arte
Dicas do ateliê

1. Desenhe a partir de moldes de gesso de estátuas antigas.

2. Copie os desenhos principais. Essa prática lhe dará a oportunidade de estudar como os mestres transformaram a natureza, com toda a sua variação, abundância e detalhes, em linha.

3. Pense como um designer. A maior imitação não é a maior arte. Ao desenhar da vida, procure o que você quer dizer e enfatize o caráter dominante da pose do modelo.

4. Trabalhe do geral ao específico. É fácil ficar impressionado com a complexidade encontrada na natureza e é preciso experiência para começar a entender o que é relevante e o que é desnecessário.

• Aperte os olhos enquanto olha para o assunto.

• Olhe através de vidro colorido ou acetato colorido para ajudá-lo a ver a linha.

• Antes de começar a pintar, condensar todas as informações em um pequeno esboço - 3 x 4 polegadas, por exemplo. Se o esboço aparecer bem do outro lado da sala, você estará pronto para começar a pintar.


Sobre o Artista

“As pessoas têm a impressão de que ter filhos limitarão suas vidas ou cercarão seu mundo, mas eu percebi, depois de ter minha filha e filho, que meu mundo estava fechado antes”, diz Juliette Aristides, que ganhou o Prêmio Wilder de Desenho da Academia Nacional de Artes Visuais. Design na cidade de Nova York em 1995. Ela estudou com Jacob Collins no famoso Water Street Atelier; ela agora tem seu próprio ateliê. O site dela é www.aristidesarts.com.

Para mais ensinamentos de Aristides sobre desenho, veja-a Lições de desenho clássicoe Atelier de Desenho Clássico clicando nos títulos dos livros.


Assista o vídeo: COMO DESENHAR UM CORAÇÃO COM ASAS UNICÓRNIO KAWAII (Pode 2022).


Comentários:

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